李禹焕在迪亚艺术基金会呈现的作品探索了艺术家自身与其创作意识的密切联系，展示了对世界“原本状态”的认知方式。本次展览共展出李禹焕的五件艺术作品，探讨艺术作品、观看者与空间的有机存在，并折射出自然与工业的紧张关系。
自从2018年的Dorothea Rockburne作品展，这是我们第二次与迪亚艺术基金会携手合作，它们收藏的艺术家作品也成为了我们的灵感之源。
Alexis Lowry：我们围绕着你在“物派”远动时期创作的三件雕塑作品策划了这场展览。在这个时期，许多日本艺术家以全新的途径探索物质和空间。在你看来，是什么定义了这个属于20世纪的运动？
李禹焕：“物派”始于1968年左右的东京，一直活跃到1970年代中期。当时的批评家和艺术家对这个现象加以嘲讽，并声称“这群流氓根本不知道如何作画和雕塑，只是把物体简单地堆砌起来。” 这也是“物派”一词的来源。在1960年代末，人们见证了资本主义国家的抵抗运动，比如法国、日本和美国。“物派”正是在这些运动的催化中得以诞生。在现代主义的瓦解与新纪元的诞生之间，它的到来带来了一种全新的艺术表达。“物派”艺术家最初是以视觉假象来创造艺术作品，以此来审视物体与视觉之间的不确定性，以及表达的虚设。之后，他们逐渐将艺术理念与方法论分离，通过对已然存在的物体的重新排列和陈设，去审视物体与行为的本质。他们注重两者，并着眼于物体与周边环境的关系。
AL：“物派”与你的雕塑作品是如何透过物体关系形成的？如何定义那些物体？是什么吸引了你对钢板和石头的注意力？
李禹焕：在上世纪60年代末至70年代，我经常使用钢板、石头个棉花。在这个时期，我的作品主要使用自然物件和工业用品来呈现。对极简主义艺术而言，物体则是一种实现概念的方法。对“物派”而言，物体和概念则同等重要，对我来说尤其重要。我的创作的出发点源自一个概念，但它在物体和空间之间的关系中演化。在我看来，物体不是概念的替代品。我尊重它们存在的动机。这也是为什么我精心挑选创作物料的原因。比如说，当我在挑选一块钢材的时候，我会仔细检查它的状态、颜色和外观。我也会考虑到和它结合的其他事物，以及在陈列的时候，它与空间的关系。
AL：我们看到，你对物料和场域的选择都是经过了深思熟虑的，什么样的特殊场景会吸引到你？为什么会选择Dia:Beacon作为这次展览的合作机构？
李禹焕：我绝不会将我的作品随意展示在某些空间。我一直关注着我的作品展示的所在空间，因为作品必须很好地适应这个空间或地点。虽然我更倾向于特定的环境，但是对我而言更重要的是意识到我的作品与周遭环境之间建立的对话关系。Dia:Beacon的空间非常地简单，只有一些极简主义的作品陈列其中，我坚信我的作品可以在这里得到很好的诠释。
